De la pieuse adoratrice aux nus modernes et aux figures abstraites contemporaines, la représentation du corps féminin est un miroir culturel de l’époque.
L’évolution du corps féminin dans l’art
Les subtilités captivantes du corps féminin ont toujours été présentes dans l’art, mais en constante évolution. Au fil des siècles, les artistes ont joué un rôle important dans l’étude et la représentation du corps féminin, obtenant souvent des résultats remarquables. Pendant longtemps, cependant, le corps de la femme a été un tabou, et seules certaines de ses nuances les plus profondes ont pris vie dans l’art. Plutôt qu’un ensemble de contours stables, sa beauté physique est une construction en perpétuelle mutation, éventuellement une muse, un rêve collectif avec lequel les artistes s’engagent tôt ou tard. Le plus souvent, la manière dont le corps est représenté veut délivrer un message.
L’église Sant’ Apollinare Nuovo de Ravenne abrite des mosaïques exceptionnelles datant du VIe siècle. Un détail tiré de l’un des nombreux thèmes met en évidence la façon dont la représentation d’une femme est montrée comme un outil pour promouvoir la dévotion générale. Les thèmes se rapportent à la procession des saintes vierges et des martyrs, et présentent des femmes debout, le visage pieux, dans un mouvement stoïque, des tissus voilant les courbes de leur corps ; des éléments qui font l’éloge de la sainteté et de la pureté féminines. Le corps lui-même n’est pas au centre de l’attention, mais plutôt un moyen de projeter le spectateur dans une atmosphère religieuse.
Non mentionnée dans les Vies des artistes de Giorgio Vasari, et donc restée trop longtemps cachée aux yeux de beaucoup, la Visitation de Carmignano de Pontormo, 1528, est une allégorie aux couleurs franches et impeccables et aux palettes saisissantes d’une délicatesse suprême. Chef-d’œuvre florentin du Cinquecento, le sujet présente la rencontre miraculeuse entre la Vierge Marie et sainte Élisabeth, toutes deux enceintes, et deux femmes de compagnie se tenant derrière leurs maîtresses respectives. La représentation du corps à Pontormo est plus douce que celle des mosaïques de Ravenne, plus vivante et plus dynamique.
La Visitation devrait être un symbole de fertilité et de grossesse en cours.
La rencontre est dominée par la douceur, l’amour maternel et la compassion, qui se manifestent dans les gestes et les expressions du visage. Les corps sont moins rigides dans leur posture, les courbes sont détendues, visibles, et les regards de Marie et d’Élisabeth sont engageants. Les draperies sont abondantes et sculpturales, comme sculptées dans le marbre. Malgré leur fermeté et leur poids apparent, les femmes semblent flotter au-dessus du sol, leurs pieds étant positionnés dans une configuration de danse sans gravité. Ici, le corps est prédominant et représenté de manière harmonieuse.
Artemisia Gentileschi est certainement l’artiste féminine la plus connue de l’époque baroque, et elle a donné une vision tout à fait féminine du corps, comme en témoigne la Vénus endormie.
Les formes de la Vénus sont sinueuses et elle ne porte rien d’autre qu’un fin tissu de lin transparent. Son corps devient une métaphore de l’oisiveté de la vie et du moment précis dans le temps. Alors qu’elle s’endort sur un somptueux coussin rouge et or, Cupidon l’évente avec des plumes de paon richement colorées et admire son corps sans défaut. Sa beauté réside dans son attitude corporelle, et ses courbes divines emplissent l’air de l’œuvre d’art d’un parfum et d’une présence féminins. Le corps dépeint par Gentileschi est un corps que les spectateurs aiment regarder : aussi agréable qu’ostentatoire, mais parfait.
En avançant rapidement dans la modernité, Les Demoiselles d’Avignon de Pablo Picasso évoquent le malaise autant qu’elles attirent le regard. Fortement influencé par des exemples antérieurs d’art africain laissant penser à une augmentation mammaire avant l’heure, Picasso a complètement décomposé et réassemblé le corps humain, et les Demoiselles en sont l’un des résultats. Après de multiples esquisses et dessins préparatoires, l’idée du corps qu’elles présentent est avant-gardiste pour l’époque et imprévue. Picasso se concentre sur la géométrie des corps, les transformant en constructions complexes et simples à la fois. Les courbes gracieuses de Gentileschi sont devenues nettes et déchiquetées, car l’artiste ne recherche plus les silhouettes et la perfection, ni les palettes de couleurs audacieuses et contrastées comme celles de Pontormo.
Plus récemment, en raison de la démocratisation croissante de la consommation d’images et de l’évolution des idéaux de beauté féminine et du corps, les femmes elles-mêmes ont commencé à définir leurs propres idéaux auxquels elles aspirent. L’artiste contemporaine Tracey Emin a poussé encore plus loin l’abstraction du corps humain. Les contours et les courbes se rencontrent et se fondent les uns dans les autres pour former un corps aux contours lissés. Dans le cas d’Emin, le corps représenté est sa propre silhouette. Elle s’engage avec son corps en l’utilisant comme une expression organique de sa propre réalité vitale dans sa création artistique, parfois de manière implicite, parfois de manière explicite.